美食、藝術、微醺的品味人生

西洋美術總目錄 (按年代序)

在紐約繁華喧囂的都市叢林中，

何妨走一趟傅立克美術館，

享受一整個秋日午後的浪漫情懷

到過紐約不只十次，每一次都讓我有不同的感受，這個暱稱為 BIG APPLE 的世界第一大城是我除了台北之外最愛的城市，雖然我每次到紐約停留的時間都不長，最長的一次也不過三週，但對紐約卻是留下極為深刻的印象，多元的文化、多變的風貌，只要你到過紐約，你肯定也會有說不完的故事。

美國紐約最著名的一條林蔭大道「第五大道 Fifth Avenue」，時尚圈最頂尖的街道，是紐約曼哈頓區南北向的一條大動脈，南起華盛頓廣場公園，北至紐約中央公園。

沿著第五大道，不管是LV、Tiffany、De Beers、Cartier、鑽石珠寶、皮件服飾…各種精品名店，或是著名紐約地標如：洛克斐勒中心、蘋果旗艦店、帝國大厦、聖派翠克教堂…，這些精品名店的櫉窗隨時都在上演著櫉窗秀，爭奇鬥艷、別出心裁，尤其是在每年復活節、耶誕節時刻，會配合妝點出節日氣氛，更是遊客注目的焦點。

「傅立克美術館 The Frick Collection」便是在這條舉世聞名的第五大道上，光是建築物本身就充滿了十八世紀洛可可的精緻與華麗，隱身於第五大道的幽靜處，白色建築物被綠色庭院包圍，池塘裡幾朵睡蓮風華正茂。外觀典雅莊重，呈現一種極為低調內斂的奢華。

愛爾蘭咖啡，
以咖啡為名的雞尾酒，
是最美麗卻又最真實的謊言。

要喝到一杯愛爾蘭咖啡並不容易，要喝到一杯帶著淚滴的愛爾蘭咖啡更是可遇而不可求。

在愛爾蘭 Shannon 國際機場有一位調酒師，他暗戀著一位只喝咖啡的空姐，想親手為她調製一杯雞尾酒，於是悄悄地為她製作了一份專屬的Menu，上面列了一道特別的飲品「Irish Coffee 愛爾蘭咖啡」，經過約莫一年的等待，終於在一個寒冷的夜裏，這位空姐點了這杯愛爾蘭咖啡。

巴布羅．畢卡索 Pablo Ruiz Picasso (1881 – 1973)

立體畫派 西班牙．馬拉加

1906年，巴黎地區最有聲望的藝品交易商 Gertrude Stein 為畢卡索和馬諦斯 舉辦了一場聯合展覽，這種盛會吸引了許多藝術界人士前來觀賞，幾乎所有藝評都一面倒地稱讚馬諦斯不愧為當今最有創造力和影響力的畫家，而讓畢卡索十分嫉妒的不僅僅是馬諦斯獨享的盛名，更讓畢卡索眼紅的是馬諦斯野獸派那種色彩繽紛而又大膽的創新風格，畢卡索知道他如果要創造出顛覆現代藝術的全新感官視野，他就必須尋求一種比野獸派更創新、更狂野、更醜陋、更震撼的風格，如此才能徹底超越野獸派的馬諦斯，成為藝壇上的第一人。

(近期推出，敬請期待)

巴布羅．畢卡索 Pablo Ruiz Picasso (1881 – 1973)

立體畫派 西班牙．馬拉加

或許是14歲時畢卡索的妹妹死於白喉，再加上最好的朋友卡洛斯 (Carles Casagemas) 因單戀 Germain 而自殺身亡，而畢卡索卻與 Germain 發生戀情，20歲左右的畢卡索似乎因背叛好友而陷入了一種憂鬱孤寂的情緒當中，這段時間他的畫作多半是以灰藍為主調，繪畫的題材也都與苦難和悲劇有關，後人把這段時間的作品歸類為藍色時期 (Blue Period, 1901 to 1904)。

(近期推出，敬請期待)

巴布羅．畢卡索 Pablo Ruiz Picasso (1881 – 1973)

立體畫派 西班牙．馬拉加

畢卡索 (Pablo Ruiz Picasso)，一個令我嘆服又讓我不能認同的天才，令我嘆服的是他對藝術美學敏銳的觀察力、豐富的想像力和不斷超越自我的創造力，而讓我不能認同的是他對感情的善變，玩世不恭的態度和自私暴戾的脾氣，但無論如何，他仍是舉世公認的藝術天才。

畢卡索曾經不只一次提到：「風格對於畫家而言是最危險的敵人」。他也承認自己的畫作從來沒有一個固定形態，所以也沒有風格。畢卡索一生對於任何一個畫派的創作風格幾乎都是從學習、質疑、解構、叛離，直到創造另一個全新的樣貎才會罷休，就是這種永不安定的特質，造就了他多元而豐富的作品，他一生創作油畫1,876件、素描7,089張、雕塑1,335件、陶藝2,880件、版畫18,000張。從來没有任何一位藝術家的風格如此的乖離與多變，他解構造型、解構線條，卻從來不甘心在某種藝術形式久留，即便他是立體派的創始者之一，但終其一生都還在追尋下一個自我。

畢卡索的父親是一位畫家，也是藝術學院的教授，因此畢卡索從出生就承接了繪畫的基因，四歲時便開始學習創作，到了十三歲時他的繪畫技巧就超越了他的父親，還傳說他的父親在看過他的畫作之後便發誓從此不再動筆作畫，不過想想畢爸何苦如此，青出於藍本是美事一樁，父子聯作豈不更是錦上添花，就此封筆實在是太可惜了。所幸這只是畢爸一時感嘆的自言自語，不久之後畢爸還是持續有一些創作作品。

我們先來看看這位藝術天才年僅13歲時的作品，Man in a beret：

The Barefoot Girl：

The Old Fisherman：

13歲就有如此功力，說他是藝術天才神童一點也不為過，也難怪畢卡索的父親會自嘆弗如了。

到了1896年，畢卡索以一幅 The First Communion (第一次聖餐) 以及 Portrait of Ann Pepa 展現了過人的才華，以一個不過是一個13、14歲的小孩能持續創作出如此精緻動人的畫作真的讓人驚喜不已，因此畢卡索便開始受到極大的關注：

在他父親的指導之下，這兩件作品完全是道道地地寫實的學院派風格，一切都中規中矩，雖然佳評如潮，但畢卡索似乎也不當一回事，繼續在藝術的領域中不斷地摸索，他總覺得這些作品中好像少了些什麼。

為了滿足父親的要求，畢卡索持續用傳統學院派的風格進行創作，他的這件作品 Science and Charity 所使用的技法已經十分純熟，但在細節的處理上顯得有點漫不經心，由此也可看出畢卡索不想被傳統束縛的心態，當然這件作品也獲得極大的迴響，也是畢卡索第一件得奬的作品。

1897年，畢卡索轉到首都馬德里接受正規的藝術課程，以他的個性當然不可能乖乖留在課堂上習作，逃學的他經常跑到位在馬德里市中心的 Prado Museum 去觀摩名家的畫作，尤其是西班牙巴洛克時期知名大師維拉斯奎茲 (Diego Velazquez)、浪漫主義大師哥雅 (Francisco Goya)、以及矯飾主義大師葛雷科 (El Greco) 的作品讓他印象十分深刻，他同時也認清了一個事實：傳統的學院派寫實風格再也滿足不了他強烈的企圖心，他不要被封鎖在僵固的特定風格，他必須為自己找到一個出口。

1898年，畢卡索開始嚐試將葛雷科矯飾主義 (Symbolism) 融入他原有的寫實風格之中，隨後便開啓他短暫的現代主義時期 (Modernism Period, 1899-1900)，這段期間他還參考了後印象派 (Post-Impressionism) 大師羅特列克 (Toulouse Lautrec)、以及表現主義 (Expressionism) 大師孟克 (Edvard Munch) 的作品，這為期兩年的創作過程對畢卡索而言就好像是在進行一連串的實驗，他不斷地企圖透過改變和重組來找到一個完完全全屬於他自己的風格，一種與眾不同、無人能及的創新風格。

1900，畢卡索第一次來到了巴黎，當時的巴黎已經是全歐洲最商業化的地區，同時也是藝文風氣最為盛行的城市，1900世界博覽會就剛好在巴黎舉行，而畢卡索有一幅畫作入選在這次的博覽會中，他原本得意洋洋地認為自己一定會因此一鳴驚人，但在他親自觀摩了來自世界各地知名大師的參展作品後，他心知肚明，他離大師還有一段遙遠的距離，他必須更努力才能出人頭地。

在巴黎停留期間，畢卡索觀摩了許多大師的作品，像是德拉克洛瓦 (Eugene Delacroix)、馬奈 (Edouard Manet)、莫內 (Claude Monet)、雷諾瓦 (Auguste Renoir)、竇加 (Edgar Degas)、羅特列克 (Toulouse Lautrec)，他也藉由不斷地觀察與臨摩試著去找出這些名家的繪畫技巧，希望有朝一日能超越他們。當時在巴黎蒙馬特地區有些著名的磨坊派對，是社交名流聚集之處，畢卡索也常常出現在這些地方，尤其是人氣最高的 Moulin de la Galette，雷諾瓦和羅特列克經常以它為主題繪製了許多畫作，於是畢卡索也如法泡製，也畫了一幅以舞會為場景的作品：

這件作品果然引發了一些藝壇人士的注意，一位當地知名的藝術經紀商立刻買下了這幅畫作，畢卡索大為振奮，心裡盤算著，如果他的畫作能夠大賣，他就可以留在巴黎繼續創作，以他的能力一定能快速崛起，成為藝壇的明日之星。正如他所料，當時巴黎有一位知名的藝評及策展人相中畢卡索的才華，並準備為他舉辦一場小型的個展，於是畢卡索瘋狂地開始為這場個展進行創作，並在此時他開始用 Picasso 這個名字在他的畫作上簽名 (畢卡索，Pablo Ruiz Picasso，其中Ruiz是父姓，Picasso是母姓，或許他覺得 Picasso比較順口，也比較響亮，因此從這個時候開始，他就完全以 Picasso 這個名字勇闖江湖)。

這場個展十分成功，在巴黎的藝評人甚至把這場個展稱為「西班牙的入侵」，展出的作品幾乎都被一掃而光，畢卡索於是光榮地贏得了人生中的第一場戰役，此時他還只是個未滿20歲的年輕人。

可惜好景不常，就在此時他最要好的朋友卡洛斯 (Carlos Casagemas) 因單戀 Germaine Gargallo 求婚被拒而自殺身亡，這件事讓畢卡索十分難過，他們幾位年輕人是經常在一起的好伙伴，畢卡索的 Germaine 及 Saltimbonques Harlequin and his Companion 這兩件作品畫中的女主角就是 Germaine：

好友的自殺讓畢卡索十分消沉，卡洛斯的影子時常會回到他的腦海裡，畢卡索於是畫出了他對好友的懷念與不捨：

但令人匪夷所思的是畢卡索在好友死後不到兩週的時間就與 Germaine 發生新的戀情，而20歲左右的畢卡索似乎也沒有因為這段戀情而感到開懷，反而是因為背叛好友而陷入了一種憂鬱和懊悔的情緒當中，於是就從這個時候開始，他的畫作多半是以灰藍色為主調，畫中的主角多半是盲人、乞丐、妓女、老人，繪畫的題材也都與苦難、孤獨、悲劇有關，或許是想藉此向他的好友贖罪，由於畫作多半是以灰藍色為主，於是人們便把畢卡索這段時間的作品歸類為藍色時期 (Blue Period, 1901 to 1904)。

(待續…)

By Pongo (June 01, 2021)

延伸閱讀：

• 【立體畫派】畢卡索(之二)：從藍色憂鬱到粉紅玫瑰

註：本系列 (藝術與大師) 所附照片均採用自網路，未註明出處，敬請見諒，若有違反著作權，煩請告知，當即刪除，謝謝

如果你也和我一樣喜歡爵士樂那種自由、搖擺的感覺，你一定聽過 Jazz 大師 Oscar Peterson 的作品，這位曾得過七座 Grammy Awards (葛萊美奬) 的Jazz 鋼琴家及作曲家，或許在台灣他並不如 B.B.King 或 Louis Armstrong 那麼出名，但他所創作或是演奏的曲目卻經常出現在許多偶像劇的背景音樂中，你一定聽過，其中的一首收錄在2002, 08 “A Jazz Odyssey”專輯中的 Blue Moon，旋律優美，正好與今天要介紹的這款雞尾酒同名，我們不妨一邊聽著這首爵士三重奏，一邊享受 Blue Moon悠閒浪漫的情調。(順帶一提，陶喆有一首我很喜歡的R&B歌曲「沙灘」，英文歌名用的也是 Blue Moon，一邊聽這首歌，一邊喝著這杯雞尾酒，也很有浪漫的FU喔…)

Oscar Peterson 的作品 Blue Moon：

https://youtu.be/JuYcp1BEGHs

Blue Moon是以琴酒(Gin)為基酒，加上 Blue Curacao、紫羅蘭香甜酒 (Parfait d’Amour ) 而呈現出水漾的藍和淡淡的紫羅蘭香氣，光是看著那夢幻般漸層的藍，就足以讓人感到清涼暢快，其他的成份還包括檸檬汁及可爾必斯，微微酸甜的滋味，喝起來有陣陣微風飄動的感覺，很適合在夏夜清澄的月色下，迎著涼風，細細地品味。

Blue Moon原意所指的是「同一個月裡的第二次滿月」，今天， 2020 年的 10 月 31 剛好碰上難得的藍月，據說下一次藍月會在一百多年後，真可說是百年難得一遇的良機，因此 Blue Moon 有「不可能發生的事」之意，傳說中這是「喜歡在酒吧調情的男人最怕的雞尾酒」，為何有此一說，我就不得而知了，若是你知道這個傳說的來由及原委，歡迎來分享。如果你喜歡更醲郁的紫羅蘭香氣，建議可採用 Crème de Violette ，或是 Benoit Serres 的 liqueur de la Violette來代替 Parfait d’Amour。

另外，坊間也流傳著另一種以Tequila為基酒的 Blue Moon 配方，搭配 Blue Curacao、Cream、再滴上幾滴 Galliano，這種配方酒精濃度較低，酒量較差的朋友不妨試試。再者，有一款啤酒 Blue Moon Beer，早期好像只有在永康街或是永和夜市裏的啤酒專賣店可以喝得到，現在則出現在一般通路超市，這款啤酒喝起來很順，還帶有一些清新的柳橙果香，喜歡喝啤酒的女士先生們可參考一下。

至於 Blue Moon cocktail 的調製方法，簡單的可以將所有配方連同冰塊一起注入雪克杯(Shaker)中，搖晃均勻後再倒入馬丁尼杯(或是高球杯)中即可，但整體上會呈現單一的藍，若要調出漸層的藍(即一般所謂的彩虹酒)，則必須很有耐心地一層一層地用分層漂浮法去 Build 出像彩虹般層次分明的 Blue Moon Layer，當然這是需要靠一雙巧手和多次的練習才能完成，浪漫而有耐心的朋友倒可嚐試看看。

By Pongo (Oct. 31, 2020)

註：本系列 (微醺的滋味--戀戀雞尾酒) 所附照片均採用自網路，未註明出處，敬請見諒，若有違反著作權，煩請告知，當即刪除，謝謝

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米開朗基羅 Michelangelo di Buonarroti (1475 – 1564)

文藝復興盛期 義大利．佛羅倫斯

米開朗基羅在接連完成「聖殤 Pieta」和「大衛 David」雕像之後，他的才華便受到當時主教朱利安二世 Julius II 的賞識，於是主教便委託米開朗基羅為他設計陵墓。

這可說是一個歷經波折的專案，在 1505 年當米開朗基羅接到主教的委任後便首次提出專案構想，原本是規劃在聖彼得大教堂建造一座三層樓城堡式的寬廣墓園，其中還包括47座比真人尺寸還要巨大的雕像，但由於經費短絀而一再延宕，這段時間裡米開朗基羅倒是接受了另一項重大的委託：聖彼得大教堂 (Basilica di San Pietro in Vaticano) 西斯汀禮拜堂 (Sistine Chapel) 的穹頂壁畫「創世紀 Genesis」，反而造就他生涯的另一高峰。

1508至1512年在創作「創世紀」壁畫過程中，米開朗基羅始終也沒有忘記這個墓園專案，他陸續按著他的手稿創作了一系列的奴隸，其中垂死的奴隸 Dying Slave 和被捆綁的奴隸 Rebellious Slave 就是在這段期間所創作，只是後來一直沒將它納入墓園，反而被一位法國貴族買走，目前則在羅浮宮 (Musée du Louvre) 德儂館 (Denon Wing) 展出，也成為羅浮宮唯二的兩件米開朗基羅的作品。

1513 年教宗過世之後整個墓園規劃內容也不斷縮水，由1505的初版、1513年的二版、1516年的第三版，直到1932的最終定案，從研究機構依據考證資料所複刻出來的設計圖便可一窺端倪：

1532 年正式動工時規模已縮小至原先的三分之一，大約只剰一面牆的大小，地點也由規模宏偉的梵蒂岡聖彼得大教堂改到羅馬近郊的「聖彼得鎖鏈教堂 Basilica di San Pietro in Vincoli」，也是我們現今看到的模樣：

墓園正中央端坐著的先知是聖經出埃及記中所描寫的猶太領袖「摩西 Moses」：

摩西最有名的事蹟便是他接受了上帝所頒佈的「十誡 Ten Commandments」，以及他率領以色列子民逃離埃及時用手杖劈分紅海的驚人神力，在米開朗基羅的這座雕像中也不難看出一些暗喻。

摩西綣曲的一大把鬍鬚就像是紅海滾滾的浪濤：

挾在腋下的石版便是十誡，令人好奇的是米開朗基羅並沒有讓摩西將十誡捧在手上，而是輕鬆地挾在腋下，似乎在表明以一位藝術家的觀點真正關心的是自由表達意念的彈性，對宗教的十大誡律和限制反而不是那麼的重視。

整個墓園的設計雖然極為精簡，但摩西雕像仍保有米開朗基羅固有的氣勢，尤其是近距離觀賞，無論是摩西烔烔發光的眼神，以及若有所思的表情：

強而有力的手掌與充滿張力的肌肉線條：

在摩西身旁的兩座雕像則分別是 Leah 及 Rachel，根據聖經創世紀中的記載，她們兩位都是 Laban 的女兒，同時也都嫁給了牧羊人 Jacob，而 Jacob 則是以色列人共同的祖先：

除此之外，墓園其他的雕像則是由米開朗基羅的徒弟來完成，但整體而言還是具備一致的水準，值得仔細觀賞：

或許就是因為朱利安主教墓園的設計一改再改，讓米開朗基羅無法專注去完成，因此整個墓園的施工一直拖延到 1545 年才算大功告成，這段期間米開朗基羅還完成了另一件墓園作品，這便是充份展現出米開朗基羅人生哲理的梅迪奇家族墓園，在下一篇文章中就藉由這座墓園的設計來和大家來聊聊中年時期的米開朗基羅對生命的另一種詮釋。

By Pongo (April 17, 2020)

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米開朗基羅 Michelangelo di Buonarroti (1475 – 1564)

文藝復興盛期 義大利．佛羅倫斯

今天要繼續來分享「米開朗基羅 Michelangelo」這位「藝術的哲學家」波瀾壯濶的內心世界。  

米開朗基羅一生中完成了許多令人盪氣迴腸的雕刻及繪畫作品，在繪畫方面最為人所稱道的莫過於梵蒂岡聖彼得大教堂「西斯汀禮拜堂 Sistine Chapel」的穹頂壁畫「創世紀 Genesis」：  

就如同米開朗基羅的其他充滿哲思的作品一樣，他同樣用創世紀這一項帶有濃厚宗教人文主義的作品來控訴上帝手操生死滅絕的嚴厲與無情，整個畫作不但呈現無比宏偉壯濶的氣魄，同時也有十分細膩的小細節來描述平凡百姓在權威體制下的卑微與無奈。  

創世紀壁畫可說是義大利文藝復興時期最重大的藝術創作，這件曠世鉅作實際上包括九幅創世紀的故事、四幅角落圖、八幅邊圖、七位先知、五位女先知、二十位 ignudi 裸男、十幅大圓飾章、四十八位天使，米開朗基羅花了四年的時間在離地面19公尺的天花板上作畫，每天爬上爬下不說，四年仰頭作畫的結果，使得他從此佝僂變形 (各位如果有更換天花板燈管的經驗，就知道維持這個姿勢有多痛苦)，且由於當時尚無油彩，而是用濕灰泥塗在天花板、再用乾粉顏料、清水製作的水性顏料在濕灰泥乾燥凝固前迅速作畫，這種壁畫又稱為濕壁畫(Fresco)，是文藝復興時期最常用的作畫方式，米開朗基羅獨自一人完成如此鉅幅作品，其中的辛苦可想而知。  

我們先依序來欣賞中軸的九幅創世紀的故事，首先是「神分光暗 Separation of Light from Darkness」，上帝用兩隻強而有力的手將光明與黑暗分開，這幅圖中的上帝獨自一人，仰著頭，似乎十分吃力地分開光明與黑暗：  

其次是「創造日月 Creation of the Sun, Moon, and Plants」，在這幅圖中的上帝以兩種姿態出現，一個面對前方，威嚴地展開雙臂、身邊簇擁著天使；另一個的一邊背對著我們，繞著太陽飛轉，身上的披風在風中飄動，身邊的天使卻消失了：  

接下來是「神分水陸 Separation of the Earth from the Waters」，上帝的臂膀以勢不可擋之態顯示了這種力量，他的雙手稍稍向前伸、手掌張開，將海水與陸地分開，身邊依然由天使護持著，但上帝的面容已不像前一幅中那麼雷霆萬鈞：  

在中軸的九幅創世紀故事中，最負盛名的應該算是「創造亞當 Creation of Adam」，許多的電影、雜誌、廣告CF、看板招牌都喜歡拿這個主題來發揮，創意無限，令人稱羨。但我覺得這是米開朗基羅又一次以弱者對強權的控訴：  

創造亞當是上帝賦予亞當生命，但整個構圖顯現的卻是亞當的無奈，從兩人的姿勢依稀可以看出，上帝進逼，亞當退却，另外從兩人的手掌也可看出端倪，上帝的手掌用力地往前伸出，而亞當的手掌卻是軟弱無力，且兩人的手指並未接觸，似乎亞當的食指只要輕輕舉起便可觸碰，為何留下這小小的隔閡，米開朗基羅的動機引發後人許多想像的空間。

其次是「創造夏娃 Creation of Eve」，圖中三人，上帝倨傲、夏娃卑微、亞當渾然不知，米開朗基羅又想藉此表達什麼？是否是人在神的面前是多麼的卑微，同時也突顯他對此一現象的不平：  

再來是「逐出伊甸園 The Fall and Expulsion from Garden of Eden」，這幅圖中的夏娃羞慚而恐懼，可是亞當卻憤怒無比的向逐出他們的天使擺手，露出憎惡與不平：

上帝決定要把整個世界用洪水淹沒，卻要諾亞製作一只龐大的方舟，並聽從上帝的話，把各種飛禽走獸也一對對趕入方舟，在「諾亞獻祭 Sacrifice of Noah」中，似乎諾亞一家人也有了爭執：  

七天後，洪水自天而降，一連下了四十個晝夜，大地全部沒頂，「大洪水 The Deluge」所描述的這個慘況，米開朗基羅卻用這一災難來突顯患難中的人們相互扶持的人性光輝，反諷當權者的殘酷與不仁：

最後一幅則是「諾亞醉酒 Drunkenness of Noah」：  

同一幅圖中有兩個諾亞，一個辛勤耕作，一個醉得不醒人事，兩個諾亞上半身的姿勢還頗為相似，米開朗基羅似乎在暗示：人在功成名就後往往變得糜爛不堪，榮華富貴容易讓人墮落喪志。 

搭配中軸的創世紀故事，米開朗基羅還在中軸四周畫了七位先知、五位女先知、二十位 ignudi 裸男來襯托這個主題，每一位先知、女先知、裸男無論在肢體的展現和肌肉線條的勾勒都十足地雄渾剛勁，米開朗基羅巧妙的運用雕刻技巧來作畫，讓每個人物都顯得栩栩如生，我們以「女先知利比亞 The Libyan Sibyl」為例：  

米開朗基羅運用雕像中常見的兩種特殊技法來創造實體感，包括 Contrapposto 技法，讓人物的姿態呈現扭曲動感的，其次是 Chiaroscuro 技法中的明暗對比使畫中體型魁梧的人物產生實體感，同時他還用了文藝復興時期最常見的「遠近縮小法 Foreshortening」加深女先知與背景之前後距離，使畫面更為立體。 

其餘的先知和女先知也都使用了類似的技法：  

米開朗基羅擅長於展現男性陽剛之美，即使是畫女先知也會找男模特兒，因此他所畫的女先知也同樣充滿了男性肌肉線條的力與美，像是以下兩位女先知 The Cumaean Sibyl 及 The Delphic Sibyl：  

裸男則更是明顯地看到每一塊肌肉的線條：  

米開朗基羅在畫先知人像時也不忘把自己也畫在裡面，其中先知 Jeremiah 畫的便是米開朗基羅本人：

除了中軸九幅描繪創世紀的故事之外，米開朗基羅又在穹頂四個角落畫了四個聖經故事，分別是「禮拜銅蛇 The Brazen Serpent」：

「大衛殺死巨人哥利亞 David and Goliath」：  

「哈曼的刑罰 Punishment of Haman」：  

「朱提斯殺死荷羅芬尼斯 Judith and Holofernes」：    

這四個故事都是在頌揚人性中的無私與勇氣，每一個主題都蘊含著對人性光輝的肯定，當人們仰觀整個穹頂壁畫時，更應體會米開朗基羅在西斯汀教堂穹頂畫裡所要表達的文藝復興人文主義理想：「人才是宇宙的中心，生命的無私付出才是人類生生不息永恆的力量」。   

By Pongo (April 12, 2020)

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米開朗基羅 Michelangelo di Buonarroti (1475 – 1564)

文藝復興盛期 義大利．佛羅倫斯

「米開朗基羅 Michelangelo」在1499年完成「聖殤 Pieta」這件令人驚豔的雕刻作品之後聲名大噪，1501年他在眾多參選者中脫穎而出，接受了義大利官方的委託完成了舉世聞名的「大衛 David」雕像，並且將自己的創作生涯推向了另一個高峰。

我一直認為米開朗基羅和他所創造的大衛其實是一種緣份，早在米開朗基羅出生之前，這座純白的大理石就已經被開採並存放在佛羅倫斯，巨大而完美的石塊似乎在等待有人能將它的靈魂釋放出來。直到1500年，當戰火熄滅，梅迪奇家族重返執政，佛羅倫斯極需要一個象徵性的物件來鼓舞飽受戰爭所苦的民心，於是當時的執政者找來了米開朗基羅，想用這塊幾乎完美的大理石雕刻成聖經中擊敗巨人哥利亞的年輕英雄「大衛 David」。而自信滿滿的米開朗基羅在仔細觀察與思索之後，便面對著這座巨大純白的大理石說道：「大衛已經在大理石裡面了，我只是要把多餘的部份鑿開」。這句充滿自信而又饒富哲理的一句話，充份展現了這位文藝復興時期的藝壇巨匠與眾不同之處。

這座高達 5.17 公尺的大衛全身塑像是在米開朗基羅 26 歲時的作品，但此時的米開朗基羅似乎對生命的意義有了非常深的體會。在此之前所有的藝術家在雕塑大衛時都是以一個勝利者的姿態，手上拎著或腳下踩著巨人哥利亞血淋淋的頭顱，完全是一位志得意滿、不可一世的英雄。但米開朗基羅卻認為生命最有意義的時刻不在於贏得勝利之後的炫耀，而是在準備全力以赴、放手一搏的備戰狀態，於是創造出這一件蓄勢待發、全神貫注的「大衛 David」。

面對著強悍又兇殘的巨人哥利亞 Goliath，大衛將所有的注意力集中在這可怕的敵人，雙眼之間不由自主地露出一點焦慮的神情，緊蹙的眉頭，讓人清楚地感受到現場一觸即發的緊張氣氛：

大衛將甩石器背在左肩，右手繃緊的神經讓整個血管和筋脈都浮現出來：

面對強敵絲毫不敢鬆懈，隨時準備奮力出擊的緊張狀態也讓全身肌肉線條顯得格外的明顯：

米開朗基羅要強調的不是勝利後的榮耀，而是面對挑戰的躍躍欲試，這種氛圍對久經戰爭蹂躪的佛羅倫斯百姓更具鼓舞的效果，於是這件作品完成之後便矗立於佛羅倫斯市政廳前方，直到300年後才移入美術館中，300年來米開朗基羅的大衛就如此靜靜地陪伴著當地的居民，並長期受到眾人的景仰與推崇。

藝術之美就在收放之間，能收斂，更要能放縱。

看過米開朗基羅的「大衛 David」之後，我們再來欣賞稍早一些米開朗基羅的另一件傑作「酒神 Bacchus」，「酒神」是希臘羅馬神話中最放浪形骸、不拘小節的角色，他的形象也經常跟狂歡、放縱、墮落、沉淪等辭彙聯想在一塊兒，與剛剛所介紹聖經中的少年英雄「大衛」簡直是兩個極端，現在我們就來看看米開朗基羅是如何表現出這位與「大衛」完全不同個性的人物「酒神 巴庫斯 Bacchus」。

迷醉的眼神，手捧著酒杯的酒神，搖晃著像是快站不穩的姿態，這就是米開朗基羅心中的「酒神 巴庫斯 Bacchus」：

半人半獸的 Faun 則躱在酒神後方，表情十分貪婪地偷吃著葡萄，更增添了狂歡與放縱的氛圍：

米開朗基羅在創作這件酒神時才 21歲，比「聖殤 Pieta」還早了兩三年，當時的他對自己充滿了自信，也充滿了期待，對一個滿懷雄心壯志的年輕人而言，米開朗基羅用酒神的自由自在與大衛的勇往直前向世人宣示：他已經完全準備好了，即將邁開大步向世人展現他精彩的一生。

By Pongo (April 07, 2020)

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米開朗基羅 Michelangelo di Buonarroti (1475 – 1564)

文藝復興盛期 義大利．佛羅倫斯

今天就先來聊聊米開朗基羅吧！ 

米開朗基羅認為藝術是表現真實的手段，他認為雕刻就是把靈魂從石頭裡解放出來。米開朗基羅在創作大衛像之時，曾面對著這座巨大純白的大理石說道：「大衛已經在大理石裏面了，我只是要把多餘的部份鑿開」。這句充滿自信而又饒富哲理的一句話，充份展現了這位文藝復興時期的藝壇巨匠與眾不同之處。 

  
 米開朗基羅 (Michelangelo Bounaroti)，這位義大利文藝復興時期多才多藝的創作大師，在他充滿矛盾衝突與悲憤激情的一生中，以無比宏偉壯濶的氣魄完成了許多令人盪氣迴腸的作品。他用他的作品來控訴著社會上有形和無形的欺壓與霸凌，也用作品來頌讚人性中外在和內在的堅忍與聖潔。 

欣賞米開朗基羅的作品，應該先抽離藝術的成份，直接進入這位大師心靈，去探索他所控訴和頌讚的真與善，如此才更能感受其心念與意境之美。現在我們就以聖殤 (Pietà) 這個主題，來進入這位「藝術的哲學家」波瀾壯濶的內心世界。 

「聖殤 Pieta」是聖經故事中描述耶穌受難的重大事件 (包括：卸下聖體 Deposition、聖殤 Pieta、入墳 Entombment、復活 Resurection、升天 Ascesion)，在西洋美術史上是一個非常重大的主題，許多藝術家 (尤其是文藝復興時期及新古典時期) 都以這相同的主題來創作，米開朗基羅則在青年時期、晚年時期、甚至是臨終前分別完成了四件聖殤，從這些不同時期同一主題的作品，我們也可以一窺這位藝術哲學家對他一生悲情歲月的反思。 

第一件聖殤是在他23歲時完成，目前存放在梵蒂岡 Vatican 「聖彼得大教堂 St. Peter's Basillica」中，在這幅作品中，死去的耶穌基督安臥在聖母瑪莉亞 (Madonna, Virgin Mary) 的膝上，像是熟睡般的安詳，母親俯視著兒子，充滿了平靜、疼惜與愛憐：  

整件作品給人一種淒美的感覺，與文藝復興早期大部份大師 (如：波提切利 Sandro Botticelli、多那泰羅 David Donatello、喬凡尼貝里尼 Giovanni Bellini等) 的聖殤作品中充滿痛苦、扭曲、哀傷的極度悲慟情緒大異其趣：

這或許是因為當時的米開朗基羅只有 23歲，對死亡並沒有太多的恐懼，反而帶著唯美與崇敬的心情去詮釋生命的終結：

記得我年輕的時候，第一次讀到黃花崗七十二烈士中林覺民的與妻訣別書：「意映卿卿如晤：吾今以此書與汝永別矣！吾作此書，淚珠和筆墨齊下，不能竟書而欲擱筆...」。當時讀到這篇文章時，也是對義士從容就義、視生死於度外的激昂而動容，人生自古誰無死，死有重於泰山，有輕於鴻毛，當時還年輕的我便對林覺民這種視死生如此大事卻無比從容的器度感到萬分的崇敬，更覺得如果人的一生能夠為理想而活、為理想而亡，是何等的淒美而動人。或許年輕的米開朗基羅也是如此，認為耶穌基督為救贖、為真理而捐軀，是何等崇高而壯烈！ 

再從藝術的角度來仔細鑑賞，無論從兩人的面容、表情、姿態、聖母衣服上的皺摺，乃至於耶穌骨瘦嶙峋的身軀和自然下垂的右手臂，平滑而柔順的線條，真的很難令人相信這原本是塊堅硬的大理石：  

尤其是聖母淡淡的愁容，不捨而又無奈的神情，是唯美而又舒緩的，彷彿時間在這一刻間靜止了下來： 

而耶穌像是熟睡般的沉靜，表情平和，絲毫沒有痛苦掙扎的跡象。

米開朗基羅讓耶穌枕在聖母的右手上沉睡，耶穌的身體肌肉是放鬆的，在草圖中耶穌的左手原本是放在自己的大腿上，但實際完成品卻把手攤在聖母的腰間，這一小小的改變卻讓整個畫面更加平衡，聖母的左手也順勢向外張開，這個動作讓雕塑的困難度大大的提高，但卻讓聖母疼惜耶穌的情緒更加深刻：  

米開朗基羅顯然非常滿意自己的作品，於是將自己的名字刻在聖母胸前的綵帶上，這也是米開朗基羅唯一在自己的雕塑上簽字的作品：

時光飛逝，轉眼間就過了五十個年頭，73歲的米開朗基羅再度以「聖殤 Pietà」為主題進行創作，走過了大半個世紀，米開朗基羅對生命有了全新的詮釋，這件名為「翡冷翠聖殤  Florentine Pieta」實際上描述的應該是「卸下聖體 Deposition」的那一幕，耶穌剛從十字架上卸下來，無力的垂著頭、屈著膝，右側是抹大拉的馬利亞，她跪著試圖扶起耶穌，而在左側的聖母瑪莉亞，眉宇之間的悲傷表情正訴說著萬般的憐惜：

在三人後方的應該是與 Joseph of Arimathea 一起協助卸下聖體的「聖尼可德莫 St. Nicodemus」，米開朗基羅卻刻上了自己的臉，表情十分悲憫地由後方高處俯視著耶穌，似乎也在暗示自己垂垂老去、即將同樣面對死亡的沉重心情：

整件作品與第一件聖殤的平靜與唯美有很大的不同，這件作品圍繞著的氛圍卻是沉重的悲傷與絕望的痛苦。 (IBM曾於1998年與 Temple University 合作進行一項 Pietà project，針對這一件作品進行掃瞄並製作3D影像，想細細品味這件作品者可至相關網站觀賞)。  

第三件聖殤：「巴拉斯屈那聖殤 Palestrina Pieta」，此時米開朗基羅已是81歲，這件作品與前一件「翡冷翠聖殤」相比顯得更加的無奈，聖母瑪莉亞取代了原先的聖尼可德莫，站在耶穌的後方吃力地支撐著聖體，聖母孱弱無力的身軀企圖將耶穌扶起，米開朗基羅刻意將聖母的右手放大，讓整個畫面聚焦在聖母和耶穌交錯著的右手臂，死亡的氣氛似乎是更沉重了。這件作品已經開始省略了精雕細琢的工藝技巧，取而代之的是面對死亡的情緒，聖母右手吃力地扶住聖體，扛不起，更捨不得放手，對生命臨終時的惶恐，米開朗基羅用抽象的意念表達出深刻的情緒，比前兩件聖殤更為無助、更加無奈。  

巴拉斯屈那聖殤中的三位主角的臉部都沒有太多的表情，聖母瑪莉亞及抹大拉的馬利亞雖顯得有點哀戚，但大體上來說還是十分平靜，耶穌仍是安詳地熟睡著，比較明顯的是耶穌的姿勢，下垂的上臂、捲曲的雙腿，米開朗基羅用最平實又含蓄的方式來陳述自己對生命終結前的無力回天感到沮喪，原本23歲時首次創作聖殤那股唯美與神聖的憧憬已經消失，翡冷翠聖殤那種悲憫、絕望的壓力也淡了許多，取而代之的是更濃的不捨與無奈。 

最後一件聖殤：「隆達尼尼聖殤 Rondanini Pieta」，這是米開朗基羅八十七歲臨終前的作品。這是一位藝術家面對死亡時的心靈表白，不再需要為生活而向世俗妥協，不須在乎他人的質疑與批判。這件作品中只有兩個身形修長的人物，放掉所有外在身形的修飾與妝扮，赤裸裸地呈現生命寄居的軀殼，耶穌與他瘦弱的母親聖母瑪莉亞，俯視著地面，就像是天神俯視著人間一般，兩人融合在一起，不再是母親抱著沉重的兒子屍體，反而是母親的手搭在兒子的肩上，無比的輕盈，更像是兩人的靈魂緩緩飄起。這是件意念上已完成而技術上未完成的作品，也是米開朗基羅為自己打造的祭壇，面對死亡，他的態度又像年輕時一般的從容不迫，不再恐懼、不再沉重、不再悲傷，生命本身的痛苦與無常，在死亡的那一刻得到永久的寧靜。 

四件聖殤，或許可以窺視這位藝術哲學家在生命不同時段對死亡這個嚴肅議題的看法，在經歷了許多的矛盾與衝突，米開朗基羅也在死亡前的那一刻似乎也放下了一切，讓他的心靈得到永久的寧靜。

By Pongo (April 02, 2020) 

註：本系列 (藝術與大師) 所附照片均採用自網路，未註明出處，敬請見諒，若有違反著作權，煩請告知，當即刪除，謝謝

愛德華．孟克Edvard Munch (1863 – 1944)

表現主義 Expressionism / 後印象派 Post-Impressionism 挪威．奧斯陸

1908可說是孟克一生的轉捩點，從療養院痊癒出院後，孟克的作品有了180度的大轉變，再加上此時的孟克已經是極負盛名的畫家，各式各樣的邀約不斷，身邊也有許多年輕貌美的模特兒，孟克似乎也擺脫了以往對女性的恐懼與排斥，這一切驚人的轉變也充份展現在他的作品之上。

像是 1911 所繪製的 Springtime，鮮艷的色彩搭配輕鬆溫馨的畫面，很難讓人聯想到這會是孟克的作品：

這一段時期孟克的其他作品同樣呈現出亮麗的色彩與平穩的情緒，這些特色都與先前 Frieze of life 的系列作品大異其趣，像是 1912 的 The Yellow Log 以及 1913 的作品 On the Sofa，從這些作品中充份展現出晚年的孟克似乎已經在心靈上得到了前所未有的平衡與和諧，

1914 至 1916年間孟克在 Great Hall of Oslo University 完成了一組最具代表性的壁畫：

這組壁畫有三個主軸，其中在左側的畫作名為 The History：

一位閱歷豐富、一身漁夫裝扮的長者正在將他一生寶貴的經歷細說從頭，而他身旁的小朋友則是畢恭畢敬地傾聽著，漁夫是挪威最具代表性的人物，一老一少之間則象徵著一種傳承，似乎也在暗喻教育本身就肩負著歷史傳承的任務。

在左側的另一幅壁畫則命名為 Alma Mater，Alma Mater 是 Oslo University 的前身 Alma Mater Studiorum，圖中正在餵奶的女性是大地之母，身穿紅藍白三色衣裳則象徵挪威的國旗，身旁站立的小孩正在研究手上的物品，象徵一個年輕的生命正好奇地探索著這個世界：

正中央的這件作品則是 The Sun，光芒萬丈的陽光照耀著挪威的大地，萬物也因此得到啟發：

簡單的幾件畫作便勾勒出 Oslo University 的價值：「傳承」、「探索」、「啟發」，同時也闡述了教育實質存在的意義。

1916年，孟克買下了 Oslo 近郊的一個農莊 Ekely，在這裡渡過了他晚年的最後一段時光，在這28年裡，他畫了許多 Ekely 附近的鄉野景緻與農村百姓的生活點滴，像是在 Freia Chocolate Factory 所陳列的便是這一類風格的系列作品：

在孟克曲折的80年生涯中，從悲慘、憂鬱、苦悶到撥雲見日、陽光普照，奇蹟般的轉折讓人不禁慨嘆，有時候不是死亡威脅著人們，而是對未知的恐懼使人們失去勇氣、不敢向前邁進，即使前方就是明媚的春光，當人恐懼死亡的時候，就不知道該怎麼安心的活著。或許面對著當前日漸加劇的武漢肺炎疫情，此時此刻的你我，是否也該鼓起精神，努力地堅持著，長夜再漫長也總有盡頭，讓我們一起渡過漫漫長夜，共同迎向黎明時分破曉的第一束陽光！

台灣加油！

世界加油！

By Pongo (April 5, 2020)

註：本系列 (藝術與大師) 所附照片均採用自網路，未註明出處，敬請見諒，若有違反著作權，煩請告知，當即刪除，謝謝

愛德華．孟克Edvard Munch (1863 – 1944)

表現主義 Expressionism / 後印象派 Post-Impressionism 挪威．奧斯陸

孟克在 1893 年到德國不久之後便展開他稱為「生命的飾帶 Frieze of Life」的系列畫作，他形容這一系列是有關生命、愛情、和死亡三大元素像詩一般的創作 (A Poem about Life, Love and Death)，從 1893到 1907 年他所有的作品幾乎圍繞在這一系列主題之上，「生命的飾帶」不僅僅成為孟克最具代表性的作品，同時也鞏固了孟克在藝壇上的不朽地位。

Frieze of life 大致可分為幾個階段的主題，分別是「愛的萌芽階段 The Seed of Love」、「愛的綻放與消散 Love is Blossoming and Demise」、「恐懼 Angst」、「死亡 Death」。嚴格講起來，Frieze of life 並不是某一特定格式的畫作，而是將原有的許多作品重新組合排列來詮釋孟克對生命、愛情、和死亡的看法，讓一般民眾也能從這些畫作中更深刻的去體會孟克想要傳達的理念。

在孟克的眼裡，「愛的萌芽階段 The Seed of Love」是男女之間渡過青春期逐漸成熟過程中彼此相互吸引的必要階段，只是在孟克的眼中所有的女性都是神秘的、善變的、充滿矛盾的、甚至是充滿野性慾望的，因此在他的畫作中也不斷透露出這種訊息，此階段較具代表性的作品包括Summer Night：

Red and White：

Eye in Eye：

Two people，the Lonely：

Women in Three Stages：

Puberty：

以及 Madonna：

從這些作品中我們依稀還是可以看出孟克面對愛情時其實還是懷抱著一些期待，在現實生活中他還是努力去擁抱愛情，只是經過幾次殘酷的經驗後，他總是在最關鍵的時刻逃開，孟克自己也很難去解釋為何會如此害怕愛情。

到了 Frieze of life 的第二階段「愛的綻放與消散 Love is Blossoming and Demise」，孟克開始把女性描繪成充滿侵略性的角色，男性成為她們的獵物，在愛情的綻放與消散一個循環之後，男性變成了被犧牲的受害者，臣服於愛情最終的結果只會帶來懊惱、痛苦和嫉妒，此階段較具代表性的作品包括 The Kiss：

Ashes：

Vampire：

The Dance of Life：

Jealousy：

以及 Separation：

到了 Frieze of life 的第三階段「恐懼 Angst」，經過一番折磨與掙扎之後，孟克對愛情更加心灰意冷，對人與人之間的相處顯得更加排斥與恐懼，他的內心變得更加的孤單，每張陌生的臉都像是骷髏一般恐怖，此階段較具代表性的作品包括 Anxiety ：

Evening on Karl Johan Street：

Red Virginia Creeper：

Golgotha：

以及最令人動容的 The Scream：

其實孟克在畫Evening on Karl Johan Street 這件作品時正與 Heiberg 交往，有一次他們約在 Karl Johans 見面，孟克先到，在等待 Heiberg 的時候，川流不息的人群不斷經過孟克的身邊，孟克突然間感到十分的恐懼與不安，於是他便悄悄地離去，畫作中黑色的背影便是孟克離去時的身影，而右方一大塊隆起的黑影便是孟克心中的恐懼。

到了 Frieze of life 的最後一個階段「死亡 Death」反而像是回到最初，又回到孟克記憶中最深刻的童年，生離死別的痛苦反而讓孟克感到心安，這種歸屬感使得這一系列的作品在哀傷的氣氛下顯得格外地安靜：

雖然我們很難把孟克界定在任何一個畫派，但孟克獨樹一格的創作原味，用色彩、線條與形式呈現自己某種恐懼的情緒，描述他對生命觀點中的生、死、愛、苦，他用「生命的飾帶」將所有的作品串聯起來，這些色彩或灰暗、或明亮，都如同火焰一般燃燒著觀畫者的情緒，形成了孟克特殊繪畫風格。

1908年，孟克因為長期酗酒而導致神經衰弱，但他始終不肯接受治療，他認為這股深藏在他內心中的苦悶與哀傷正是他創作的動力，他要依靠藝術的創作來抒發他所有的情緒。

他與梵谷最大的不同點在於經過療養後，他痊癒了，相較於在麥田裡舉槍自盡的梵谷，他從酗酒和神經衰弱的囚牢裡被釋放了出來，在他生命中的最後30年，他像一般正常人一樣的生活著，但令人訝異的是孟克獨特的創作力也伴隨著他的精神衰弱症狀一起消失無踪。

By Pongo (March 23, 2020)

註：本系列 (藝術與大師) 所附照片均採用自網路，未註明出處，敬請見諒，若有違反著作權，煩請告知，當即刪除，謝謝

愛德華．孟克Edvard Munch (1863 – 1944)

表現主義 Expressionism / 後印象派 Post-Impressionism 挪威．奧斯陸

孟克從小就面對著親人相繼逝去的殘酷事實，死亡一直是他心中揮之不去的陰影，這股沉重的心理壓力也讓他把自己封閉在陰暗的角落，即便是面對男女之間的感情，孟克也因為害怕失去而遲遲不願去開啟，幾乎在所有的作品中都可以清楚感受到孟克不斷重覆著「死亡、恐懼與孤獨」這幾個主要元素，而他的精神狀態也總是處在一個瀕臨崩潰的邊緣，像是帶著贖罪的心情不斷用畫作來表達他內心最忠實存在的情緒。

孟克的作品中以死亡為主題的，除了先前所介紹過的 The Sick Child、By the Death Bed、Spring (the Last Days of Sophie Munch) 之外，像是分別在 1893 與 1895 所創作的「Death in the Sickroom」也是以親人過世為場景的作品：

1897年所繪製的 The Dead Mother and her Child 則是用時空穿越的安排重現母親 Laura 過世的場景，畫面正中央身穿黑衣背對著觀眾的便是孟克本人，只是母親去世時他才5歲，他用畫作將自己帶回兒時的場景，去哀悼最親愛的母親。

在1894年的作品 Puberty 和 Rose and Amélie 中幾位主角身後都有著十分詭異的陰影：

就連一般人印象中總是帶著濃情蜜意的「吻 The Kiss」在孟克的筆下也顯得隱晦不明，對孟克而言，這個深情的吻所帶來的不是一種愛的承諾，而是躱在陰暗角落中恣意享受男女激情時所衍生的罪惡感：

另外在1896 年所繪製的「Separation」則是描述分手的感覺，男生心痛地摀住胸口，身穿白衣的女生則飄然遠去，男生前方兩株紅色的花在孟克的畫作中代表的意義就是愛情與痛苦：

而1898 年繪製的 Inheritance 則更是驚悚，傷心欲絕的母親懷抱中的嬰兒屍體讓人看了怵目驚心，而孟克以「繼承 Inheritance」來標示這件畫作，似乎也表達出他內心中面對死亡只能默默承受的無力感：

到了 1907 年，孟克以法國大革命列士 Jean Paul Marat 被女刺客 Charlotte Corday 刺殺身亡的事蹟畫了一幅「馬拉之死 Death of Marat」，在這件作品上孟克所要傳達的不是那個歷史事件，而是強調女殺手的冷血無情，手刃革命烈士之後還十分鎮定地站在屍首旁邊：

或許由以上介紹的幾件作品中便可窺見孟克的內心世界是孤獨的，他不善與人交往，對環境充滿敵意、並且對自我內心的軟弱感到無比的羞恥，這些極端的情緒都完整地表現在他的作品當中，有時候我甚至覺得欣賞孟克的作品不需要太多的說明，只要站在作品前面用心去感受，你就會從畫作中體會出孟克當時的心情，我們現在就不妨來試著停下來仔細欣賞一些孟克的作品，不標示作品名稱，也不多作說明，讓大家自由去感應孟克的內心世界：

看過這些作品，不知道大家是否感受到孟克所承受生活中令人畏懼的成份，是否也感受到他對世俗人情的絕望與抗議。

孟克的作品大部份都收藏在挪威首都奧斯陸 (Oslo) 的國家畫廊以及孟克美術館中，像是「死亡的母親」、「病室裡的死亡」、「絕望」、「吸血鬼」、「焦躁」、「灰燼」…等，都是孟克的成名之作，也最能表現出孟克的內心世界。光是看到這些畫作的名稱便可強烈感受到一股濃重的死亡氣息，如果能親臨現場近距離仔細觀看每件作品就更能強烈地感受到孟克所要傳達的感覺和情緒，那種焦躁和無奈緊密地交織，總是那麼地沉重，觀賞畫作的同時仿佛承受著他那種瀕臨絕望深淵卻永遠無法逃脫死亡陰影的巨大壓力。

我雖然沒到過挪威，所幸在2017一次偶然的機會在舊金山 MOMA 美術館正好遇上孟克的特展，也親眼見證了孟克的許多作品，一次難得的體驗，一生難忘的回憶。

(待續…)

By Pongo (March 22, 2020)

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愛德華．孟克Edvard Munch (1863 – 1944)

表現主義 Expressionism / 後印象派 Post-Impressionism 挪威．奧斯陸

孟克所特有的悲情風格不僅來自於他悲慘的人生經歷，同時也來自當時虛無主義的作家 Hans Jaeger 的影響，Hans Jaeger 經常倡導「自殺是終極的自由」這一類非常悲觀且激烈的言論，孟克便曾經向外界承認他人生中某部份的暴戾脾氣和反骨便是受到 Hans Jaeger 的影響。 (1889 Writer Hans Jaeger)：

孟克喜歡繪畫，也將繪畫當作畢生的志業，但他卻一直找不到自己的特色，背負著內心強大的挫折感，孟克因此逐漸養成酗酒的習慣，甚至一度停止作畫。

在巴黎停留期間，除了秀拉、高更的繪畫風格讓孟克感到新奇之外，另一位後印象派大師梵谷 (Vincent Van Gogh) 的作品更是深深撼動了孟克的心，不僅僅是梵谷描繪星空時所呈現像旋渦般的張力吸引了孟克的目光，梵谷短暫卻又悲情的一生更是讓孟克覺得心有慽慽焉，孟克 1893 年所繪製也是孟克最有名的創作「吶喊 The Scream」就有著同樣蠕動的天空：

在孟克幾乎與「吶喊 The Scream」同時期的創作作品中我們都可以發現類似的蠕動的天空，像是 1894 的「焦躁 Anxiety」便是其中明顯的例子：

經過多年的摸索與努力，孟克始終找不到屬於自己的風格，他總覺得寫實畫派和印象畫派只強調畫出眼中所見的事物，無法將內心的情緒和思維表現在畫作之上，Hans Jaeger 於是建議孟克邊畫邊寫，以自己的人生為題，畫出自己的內心世界。

於是孟克花了一段時間展開自我反省，並把這些內心的審視過程寫成靈魂日記，同時也開始創作出真正屬於孟克自己獨特風格的作品，現在我們就透過幾幅畫作來撿拾一下孟克的情緒。

首先是 1891-1894 年間孟克所創作的「憂鬱 Melancholy」系列畫作：

在畫面前方有一位面帶憂鬱的男士，空洞的眼神凝視著遠方，困惑的表情似乎在苦惱著什麼，而畫面後方則有一對戀人愉快地在海邊聊天散步，孟克藉由這件作品來表達出他對男女感情的一種嫉妒與畏縮。

接下來的這一系列的作品則更直接以「嫉妒 Jealousy」為名，赤裸裸地描繪出他對男女感情既期待又怕受傷害的矛盾心理。

1995年的「吸血鬼 Vampire」則清楚傳達出孟克對女性的觀感：

在孟克的心理，女性就像是吸血鬼一般消費著男性同胞，而男性似乎也乖乖地臣服在女性強大的張力之下，即使被咬得遍體鱗傷也心甘情願、在所不惜。

而另一件1899年的「生命之舞 The Dance of Life」則又對女性表達出同情與悲憫：

孟克經常用顏色來表達內心的情緒，白色代表純潔與無辜，紅色代表慾望、同時也代表著孟克內心中的罪惡感，而黑色則代表悲傷。這件作品中左側身穿白衣的女性是年輕純潔的，愉悅的表情似乎在期待著美好的人生，而右方黑色衣著的女性則是年華老去，神情落寞地回憶著往昔的浪漫，而中間穿著紅色洋裝的女性則面無表情地與男性共舞。孟克用這幅畫作來表達出他對女性三個階段不同的看法，但畫面中有個面目猙獰的男性擁著一位白衣女性共舞，似乎也暗示著當女性還在年輕純潔階段時很容易成為狡滑男性的獵物，孟克對女性又期待又怕受傷害的矛盾心理也在這件作品中表露無遺。

(待續…)

By Pongo (March 20, 2020)

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愛德華．孟克Edvard Munch (1863 – 1944)

表現主義 Expressionism / 後印象派 Post-Impressionism 挪威．奧斯陸

在孟克近60年的創作生涯中留下了數仟件的作品，這些作品跨越了許多不同的風格，我們很難把孟克界定在任何一個畫派，但孟克獨樹一格的創作原味卻為現代美術開創出另一條康莊大道，他用色彩、線條與形式呈現自己某種恐懼的情緒，描述他對生命觀點中的生、死、愛、苦，也奠定了他在西方藝壇永垂不朽的地位。

嚴格講起來孟克並沒有接受太多的正統藝術教育，或者說正統的藝術教育對他並沒有產生太大的影響，他的創作能力多半是來自於與生俱來的天份和自我的觀察與學習，從最早期的作品中我們還可以看到自然主義和寫實主義的影子，像是 1881 年所繪製的 Landscape. (Maridalen by Oslo)：

以及 Form Maridalen：

Houses in Maridalen：

後來受到印象派和新印象派的影響，他也嚐試了一些帶有印象畫派風格的作品 From Sandviken：

還有 From Saxegårdsgate：

另外一件 1883 年的作品「After the Coffee Table」描繪的則是室內的場景：

1884 年，他以 The Day After、Puberty 以及 The Sick Child 這三件作品參加在奧斯陸當地的畫展，孟克與眾不同的畫風立刻引發議論，雖然這些論述正反面都有，但卻因此意外地打響了孟克的知名度：

1885年，孟克來到藝術之都—巴黎，雖然只短暫停留了三週的時間，但法國印象畫派的風格卻深深地觸動了他的心思，尤其是莫內 (Claude Monet) 和畢沙羅 (Camille Pissarro) 的作品。

1889年，孟克再度回到巴黎，這一次他停留了三年的時間，此時正值「新印象派 Neo-Impressionism」的崛起，孟克也曾經對喬治．秀拉 (Georges Seurat) 的點描畫法感到新奇，於是他也用相同的技法創作了一幅「Spring Day on Karl Johan Street」：

以及 1891 的 Rue Lafayette：

接下來的幾年當中，孟克持續嚐試用當代主流印象畫派、新印象畫派、後印象畫派的各種技法來創作，但在摸索的過程中卻始終找不到真正讓他自己感到滿意的風格，他努力去學習印象派特有的風格，包括自由的筆觸和亮麗的色彩，但也僅止於這些繪畫的表現技法上面，印象派特有的陽光歡樂氣氛卻是完全沒有讓孟克感到鼓舞，因此這段時期孟克的作品雖然具備了印象派的技法和色調，但呈現出來的氛圍仍是帶著濃濃的孤獨、愁緒與無力感，像是 1889 Summer Night (Inger on the Beach) 便散發出一股安靜的孤獨氛圍：

而1889 年所繪製的另一件作品Military Band on the Karl Johan Street 則將一條本該是熱鬧的街變得異常地安靜：

1890 的 View over the Rover at St. Cloud：

同年孟克還創作了另外兩件畫作分別是「The Absinthe Drinkers」以及「In the Tavern」，細細品味這兩件作品更可感受到孟克想要傳達的那種寂寞與無奈：

後來他又對「後印象派 Post-Impressionism」高更 (Paul Gauguin) 的大溪地系列作品感到興趣，他的另一件作品「Evening on Karl Johan Street」便有著高更的象徵主義風格：

1892年，當這件「Evening on Karl Johan Street」和另外五十幾件孟克的作品在柏林畫展中展出時，藝評專家對孟克充滿恐懼、悲傷與死亡的風格大肆抨擊，但此舉反而引發大眾對孟克的好奇，雖然柏林畫展僅僅展出幾天便草草結束，但一時之間孟克卻成為德國最熱門的話題人物，於是孟克便轉向德國發展。

(待續…)

By Pongo (March 18, 2020)

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愛德華．孟克Edvard Munch (1863 – 1944)

表現主義 Expressionism / 後印象派 Post-Impressionism 挪威．奧斯陸

自從開春以來，武漢肺炎疫情不斷升高，全球壟罩在一股恐慌與焦慮的氣氛當中，緊繃的情緒再一次吞噬著人們的信心，讓人忍不住要大聲狂吼來發洩心中的苦悶。台灣地區雖然極力防堵，但隨時可能爆發的疫情仍讓人感到不安與恐懼，此時此刻的心情，不禁讓我想起「孟克 Edvard Munch」舉世聞名的一幅畫作：「吶喊 The Scream」，那一張捂著耳朵、表情扭曲的尖叫面孔、圓睜的雙眼和凹陷的臉頰令人毛骨悚然，濃重血紅色的天空和蠕動旋轉的河流，似乎也像你我的心情一般，瀰漫著一股化不開的鬱悶。

孟克便曾描述他創作這件作品的心路歷程：「在一個夏日的傍晚，我和兩位朋友走在挪威的鄉間，像血一般的夕陽染紅了整個天際，我停下腳步，整個人無力地癱軟在圍籬旁邊，整個藍黑色的峽灣就像火焰一般迸裂出血紅的顏色，兩位朋友繼續往前走，我跟不上他們的腳步，這時候我聽到來自大地的吶喊，就是這個巨大的、刺耳的、無窮無盡的尖叫聲讓人不由自主地摀住了耳朶，彷彿生命就要在那一瞬間被大地所吞噬。」

孟克是挪威「表現主義 Expressionism」的知名畫家，在他一生悲慘的歲月中充滿著疾病、瘋癲、恐懼、悲傷與死亡，如果你知道他一生經歷了多少的苦難與掙扎，你就不難想像為何他的作品中始終散發著孤獨與困惑的無力感。(1882 Self Portrait)

孟克的父親 Christian Munch 是一名精神病患，在孟克年紀還很小的時候就不斷灌輸他最基本的恐懼 (1881 & 1883 Christian Munch on the Couch)：

母親在他五歲時 (1868) 死於肺結核，他是由姨媽 Karen 一手帶大 (1883 Aunt Karen in the Rocking Chair)：

孟克有一個姊姊、一個弟弟、和兩個妹妹，他最喜歡的姊姊 Johanne Sophie 在九年後 (1877) 也和他母親一樣患了肺結核而過世，妹妹 Laura 也在這段期間被診斷出患有精神病而住進精神病院 (1888 Evening - Laura)：

孟克的弟弟 Andreas 是兄弟姊妹中唯一結過婚的，卻在新婚不久之後不幸病發身亡，同樣是死於肺炎 (1882 Andreas Reading)：

這一連串的打擊彷彿就像是離奇小說故事刻意安排的情節，真的很難讓人相信這是真實發生在孟克身上的不幸遭遇，也難怪孟克畫作的主題始終圍繞在痛苦與無奈的掙扎當中，孟克也曾感慨地用下面這一句話來形容他的一生：

病魔、瘋狂與死亡一直是圍繞在我搖籃邊的天使，伴隨著我渡過悲慘的人生

Sickness, insanity and death were the angels that surrounded my cradle and they have followed me throughout life.

22歲時 (1885)，孟克畫了一幅「病中的孩子 The Sick Child」，畫中的主角是他姊姊 Sophie 臨終前的模樣，姨媽 Karen 在病榻前守護著，Sophie 側著臉好像在安慰著身邊的婦人，婦人低著頭飲泣著，一手還握著 Sophie 的手，彷彿不忍心看著一個年輕的生命即將逝去，雖然孟克在繪製這件作品時距離姊姊的病逝已經有八年多的時間，但這一幕卻仍像昨天的記憶般地清晰可見：

孟克在1889年又創作了一幅名為「春天 Spring (the Last Days of Sophie Munch)」的作品來紀念她的姊姊：

雖以春天為名，但在整幅畫作中卻感受不到絲毫春回大地的喜悅，反而是一位重病的少女面對著窗外的無奈心情，他自己曾這樣說到：「我帶著疾病進入世界，活在病態的環境中，對年輕人而言這種環境固然如同一間病房，但對生命而言卻是一扇經陽光照射、明亮無比的窗戶....。」

1895年，孟克的弟弟 Andreas 死於肺炎，死亡的陰影更加的沉重，就在弟弟死後的第二年，他繪製了一幅 By the Death Bed，火紅的牆壁，黑色陰影中聚集的親友們，正悲傷地送走最珍愛的親人，孟克描繪的不是場景，而是內心中深刻的悲慟：

在接下來的40年間，孟克不斷重覆著相同的主題，尤其是死去的母親和最親近的姊姊，他總是在瀕臨崩潰的邊緣，像是帶著贖罪的心情，或許是因為年輕時候的他自己也曾染上肺炎，但為何身邊的人一個個死去，卻只留他一人獨活：

 (待續…)

By Pongo (March 07, 2020)

註：本系列 (藝術與大師) 所附照片均採用自網路，未註明出處，敬請見諒，若有違反著作權，煩請告知，當即刪除，謝謝

這只右手不斷燃香，向詩的繆思。可是僅飲汨羅江水是不能果腹的。漸漸地，右手休息一下，讓左手寫點散文。

• 余光中     

詩人余光中曾在他的散文處女作「左手的繆思」中謙稱：「詩人寫散文是不務正業，寫詩的是右手，而散文則是左手的繆思」。但無論是右手或是左手，繆思指的就是啟發藝文界人士創作靈感的女神，古今中外的許多藝術家或文學創作者大都深信，只要有繆思女神隨侍在側，就能保證創作的靈感源源不絕。

在法國巴黎羅浮宮便珍藏著西元第一世紀的濕壁畫「阿波羅與諸謬思」，許多熱愛藝術或文學的朋友，莫不懷著朝聖之心來瞻仰諸位「繆思女神」，這些作品還曾遠渡重洋來到台灣參加2012年的故宮博物院「西方神話與傳說－羅浮宮珍藏展」，是當次展覽作品中的大熱門，或許大家還有些印象。「阿波羅與諸繆思」是於1748年在龐貝城遺址「朱莉亞．菲利克斯 Julia Felix」宅邸被發掘出來，也曾是拿破崙送給愛妻約瑟芬的禮物。這一系列的九件作品保存了將近兩千年，堪稱是繆思畫像中最彌足珍貴的收藏。

有關繆思女神的傳說版本很多，從最早的三位一體 (歌唱、沉思、記憶) 的繆思女神：

一直演變至今「神譜」中最經典的九位繆思：

這九位女神分別掌管文學、藝術、科學諸事，可由每位女神手中持有的物品來分辨，現在就向大家來介紹這九位伴隨在太陽神阿波羅身邊的繆思女神。

卡莉歐普，史詩繆思 (Calliope, la muse de l'éloquence et de la poésie épique)，通常左手拿書，右手持筆：

克莉歐，歷史繆思 (Clio, la muse de l'histoire)，通常左手拿著紙卷：

厄特佩，音樂與抒情詩繆思 (Euterpe, la muse de la musique)，通常左手拿長笛或雙笛：

特普西可亞，舞蹈與合唱繆思 (Terpsichore, la muse de la danse)，通常雙手持七弦豎琴：

艾樂托，情詩與獨唱繆思 (Érato, la muse de l'art lyrique et de l'élégie et poésie passionnée)，通常雙手持鐵豎琴：

梅爾波莫妮，悲劇繆思 (Melpomène, la muse de la tragédie)，通常右手持悲劇面具：

塔莉亞，喜劇繆思 (Thalie, la muse de la comédie)，通常右手持喜劇面具：

波莉愛莫妮亞，聖歌繆思 (Polyhymnie, la muse de l'art lyrique et de la rhétorique)，通常空手，或用手掀起披肩：

烏拉妮亞，天文與占星繆思 (Uranie, la muse de l'astronomie et de l'astrologie)，通常左手持圓球，右手持筆：

既然繆思女神掌管藝文大事，因此許多藝術大師都曾以自身的創作來歌頌讚美這一群美麗的仙女，其中最有名的，算是拉斐爾 (Raphael)，他在名作「雅典學院 School of Athens」中的文學牆面所繪製的壁畫，中央部份即為阿波羅與諸繆思：

其他的藝術大師則包括Jacques Stella的作品「Minerva with the Muses」：

在奧得維的史詩Metamorphoses中，很清楚地描述這段場景：

Their arms are plum’d, and on their backs they bear

Py’d wings, and flutter in the fleeting air.

Chatt’ring, the scandal of the woods they fly,

And there continue still their clam’rous cry:

The same their eloquence, as maids, or birds,

Now only noise, and nothing then but words.

—Ovid, Metamorphoses, Book V    

因此大部份的作品描述的都是阿波羅與諸繆思手舞足蹈地歡樂聚會的場景：

還有一幅作品中，幾乎每位繆思手上都有樂器，好像一個小型室內樂團：

韓國 KPOP 曾在2010年推出一個女子天團「Nine Muses」便是由九名模特兒組成，個個身材高挑、能歌善舞，但經歷過多次成員的異動之後，終於在今年 (2019) 解散，從出道到解散剛好九年，彷彿就像是命中注定一般，Nine Muses for Nine Years！

By Pongo (Feb. 28, 2019)

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緊接著前一篇文章，本篇將繼續欣賞大陳列長廊中的精彩畫作。

在上一篇文章所介紹 Nicolas Poussin 的「Camille Delivers the Schoolmaster of Falerii to His Pupils」右方的畫作是 Guido Reni 的「The Rape of Helen」：

這件作品的主題是取材自希臘羅馬神話故事中引發特洛伊戰爭的「綁架海倫 The Rape of Helen」事件。

在希臘羅馬神話中最引人入勝的情節就是「特洛伊戰爭」，從「金蘋果事件 Golden Apple of Discord」開始，歷經了「帕里斯的判決 The Judgement of Paris」、到「荷馬 Homer」的史詩「伊利亞德 Iliad」、「奧德賽 Odyssée」所敍述特洛伊戰爭、再發展到導致「特洛伊 Troy」淪亡的「木馬屠城記」，整個故事是以「海倫 Hélène」這位全世界最美麗的凡人為起源，這一連串史詩般的神話故事，不但交織著奧林帕斯眾神的愛與恨，同時也刻劃人間英雄的情與仇，如此緜密、交錯、複雜而又糾葛的故事，當然也就成為藝術大師們的創作泉源。

帕里斯原是特洛伊的王子，特洛伊國王「普萊姆 Priam」為了避免神諭中的災難發生，把他交由牧羊人撫育長大。

金蘋果事件的開始是在奧林帕斯山眾神盛大的喜宴裡，所有的神都被邀請，唯獨不睦女神「艾希絲 Eris」被排除在外，於是忿忿不平的 Eris 便充份發揮她「不睦女神」的專長：挑撥離間，不僅在宴會上瘋狂地大鬧了一場，並且在離開之前還惡毒地留下一個金蘋果，上面寫著：「給最美麗的女神」。

此舉果然奏效，一顆金蘋果果然引發了女神之間的競爭，為了「最美麗的女神」這個封號誰也不肯相讓，在一陣激烈的你爭我奪後，最後只剩下美神「阿芙蘿黛特 Aphrodite」、天后「希拉 Héra」與戰神「雅典娜 Athéna」三位最美麗的候選人。天神「宙斯 Zeus」命令由牧羊人「帕里斯 Pâris」來裁定誰才是最美麗的女神，最後帕里斯決定選擇「美神阿芙蘿黛特 (維納斯)」，這就是著名的「帕里斯的判決The Judgement of Paris」。

帕里斯愛上了最美麗的女人「海倫 Hélène」，雖然當時海倫已是斯巴達國王「墨拉奧斯 Ménélaus」的皇后，但美神阿芙蘿黛特還是施法讓帕里斯和海倫相戀，帕里斯更趁墨拉奧斯外出時便偷偷帶著海倫回到了特洛伊。墨拉奧斯發現後十分震怒，為了家族的榮譽，便向哥哥邁錫尼之王「阿伽門農 Agamemnon」請求，召集希臘城邦所有國王共組聯軍，集結了近千艘戰船，大舉向特洛伊出兵，並挑起了長達十年的「特洛伊戰爭Trojan War」。

Guido Reni 的「The Rape of Helen」便是描繪帕里斯趁著墨拉奧斯外出時偷偷帶著海倫準備返回特洛伊的這段情節。

Guido Reni 刻意為這單調的場景增添了一些元素來讓畫面更加熱鬧，像是一群跟在後頭的侍女：

在前方引導的軍士：

淘氣調皮的小愛神丘比特：

甚至是畫面前方的兩隻小動物：

緊接著再往右，看到的是 Alessandro Turchi 的作品「Death of Cleopatra」：

Cleopatra 就是鼎鼎大名的埃及艷后，她周旋在凱撒大帝、安東尼、屋大維之間，是古埃及 Ptolemaic 王朝的末代王后，根據可靠的傳聞，埃及艷后 Cleopatra 的兒子被屋大維下令刺殺，Cleopatra 傷心之餘便讓毒蛇咬死自己。在 Alessandro Turchi 的作品當中便可看到這一段情節。

最後在這一區段最右邊的作品是 Pietro da Cortona 的「Romulus and Remus Sheltered by Faustulus」：

在希臘羅馬神話中 Romulus 和 Remus 是一對雙胞胎，母親原本是女祭司 Rhea Silvia，被戰神馬爾斯 Mars 強暴後生下這一對雙胞胎，Silvia 的父親 Amulius 深怕這一對雙胞胎會帶來禍害，於是就把他們丟棄在台伯河中，後來幸運被牧羊人 Faustulus 救起，Pietro da Cortona 的這件作品便是描繪牧羊人 Faustulus 救起這一對雙胞胎後欣喜地交給自己的老婆。

By Pongo 於 March 17, 2019

延伸閱讀：

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接續上一篇文章，轉過身來，續續欣賞同一個區段北側牆面的四件大尺寸的作品，由右至左首先是 Alessandro Tiarini 的「Repentance of St. Joseph」：

Alessandro Tiarini 是巴洛克時期義大利巴隆納畫派 (Bolognese School) 的知名畫家，他的創作主題幾乎全部圍繞在與聖經有關的宗教故事，由於他對人物情緒的描繪掌握得十分貼切，因此也十分受到宗教界的歡迎。這一件「Repentance of St. Joseph」便將 St. Joseph 激動懊悔的心情表露無遺，再加上一旁的天使驚慌失措、議論紛紛的場景，更增添了整幅畫作的情緒張力。

接下來則是 Guido Reni 的「Christ Giving the Keys to St. Peter」：

當耶穌基督將通往天國之門的鑰匙交給聖彼得，這兩把鑰匙一金一銀，分別代表著佈道與救贖，聖彼得帶著虔誠的信仰跪在地上接受了這份榮耀，同時也等同於接受了耶穌的託付，要引領著世人進入天國。Guido Reni 用簡單的構圖來描繪這個莊嚴的傳承授權儀式，耶穌用右手姆指和食指輕輕地將這兩把鑰匙交給聖彼得，聖彼得用右手掌緊握著這兩把鑰匙，這看似簡單的手勢感覺上像是耶穌小心翼翼地將這兩把通往天國之門的鑰匙交給聖彼得，而聖彼得似乎也感受出這份責任的重大與神聖。

再接下來則是 Guercino 的作品「Madonna and Child with Four Saints」：

前面曾經介紹過 Guercino 的幾件作品，也曾簡單介紹過這位巴洛克時期義大利巴隆納畫派 (Bolognese School) 的畫家，Guercino 本名叫做 Giovanni Francesco Barbieri，由於他有一雙鬥雞眼，因此才被戲稱為 Guercino，他在 Guido Reni 過世之後成為巴隆納畫派的領導者，其創作風格融合了卡拉瓦喬畫派所特有的明暗對照法 (Chiaroscuro) 以及威尼斯畫派所擅長的活潑與多彩，因此比起巴隆納同一畫派的其他畫家顯得更為明亮而清爽，色彩也更加鮮艷，是頗受歡迎的一位畫家。

這一件 Madonna and Child with Four Saints 是他晚期的作品，從作品中可以看出 Chiaroscuro 的對比效果已經不像他早期的作品那麼明顯，反而呈現出一絲絲學院派的風格，整體畫面更偏向威尼斯畫派的豐富色彩與活潑構圖。

接下來又是一幅 Guido Reni 的作品「Annunciation」，這幅畫作的主題「天使報喜」在基督教藝術中十分常見，尤其是在中世紀和文藝復興時期更是熱門的主題，一般所呈現的方式都是天使嘉百利 (Archagnel Gabriel) 來到 Virgin Mary 面前，宣告她已懷有聖子，Virgin Mary 先是驚慌、懷疑、不解、直到天使細說原委之後，Virgin Mary 才欣然接受。有些作品 (包括 Guido Reni 的這一件) 則在 Archagnel Gabriel 手中畫了一枝白百合，象徵 Virgin Mary 的聖潔：

接著再轉過身來沿著大陳列長廊繼續前往下一個區段，這個區段南側牆面由左至右首先看到的是 Guercino 的「Hersilia Separating Romulus and Tatius」：

這件畫作的主題是描古羅馬時期的故事，古羅馬時期相鄰的兩個城邦「羅馬 Romans」與「薩賓 Sabine」，羅馬為了繁衍種族，想和薩賓的女子通婚生子，但薩賓不從，羅馬便下令軍士直接強虜薩賓的女子，因此雖然兩城邦之間經常發生摩擦，但兩城邦之間亦有家庭間之血緣關係。當兩城邦之間戰火再起，兩軍對戰之際，有一位薩賓女子 Hersilia 出現在兩軍交鋒的戰場，企圖阻止兩軍互相殘殺。這位女子 Hersilia 是羅馬軍隊主帥 Romulus 的妻子，同時也是薩賓軍隊統領 Titaus 的女兒，她奮不顧身地企圖阻擋父親與丈夫之間的衝突。

在本系列文章第 24 篇 【羅浮宮024】達魯展廳之五：大衛及其學生之畫作欣賞 中便曾介紹大衛在1799年所繪製的「The Intervention of the Sabine Women」便是描繪這段故事，有興趣的朋友不妨點選連結前往閱覽。

緊接著則是法國巴洛克時期最著名的畫家，也是文藝復興時期的代表性人物「尼可拉斯．普桑 Nicolas Poussin」的作品「Camille Delivers the Schoolmaster of Falerii to His Pupils」：

「尼可拉斯．普桑 Nicolas Poussin」原本是法國巴洛克時期的知名畫家，但他在29歲時移居義大利之後便對文藝復興時期的古典畫風十分著迷，尤其是對拉斐爾的畫作更是推崇，因此普桑自己的創作風格也開始融合了古典主義的細緻典雅和巴洛克的華麗多彩，形成了一個獨具特色的「普桑主義 Poussinism」畫派。

這件作品描繪的是古羅馬時期的護民官 Furius Camillus 包圍了 Etruscan 的一座城市 Falerii，Falerii 當地的一位校長將一群學生引誘到羅馬軍隊中，並向 Camillus 獻計要以這些學生做為人質來威脅 Falerii 投降。Camillus 對這位校長出賣學生的叛國行為極為震怒，不但不聽校長的建議，反而將校長剝光衣服交給這群學生處置。

圖中左側披著紅袍怒斥校長的將領便是 Camillus，而圖中央全身扭曲、面目猙獰的人物便是那位無恥的校長，他正被一群學生圍攻，而後排則是圍觀的羅馬將士。

By Pongo 於 March 16, 2019

延伸閱讀：

註：典藏羅浮宮系列文章中所附照片均採用自網路，未註明出處，敬請見諒，若有違反著作權，煩請告知，當即刪除，謝謝！